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日期：2016年11月6日下午5:30-8:00
地點：C&G Artpartment
與會：郭瑛、丁穎茵、梁展峰、阿三、梁寶山及楊陽
紀錄：曾凱鈴
整理：阿三
一、《曾建華︰無》
展覽日期：2016年9月9日至11月6 日
地點：M+展亭（西九文化區M+視覺文化博物館）
作為M+展亭首個展覽，在資源相對充裕情況下，整體算是四平八穩，在預期之內。
M+展亭空間特性的發揮，是展覽最出色的地方。曾建華加強了亭內密閉性質，昏暗燈光、簡約裝潢、大量黑白影像投射效果，營造出虛空氣氛；加上外加多條金屬柱（建築本身的柱的複製），讓人有親歷其境（虛無）的想像，體驗消極沉鬱情緒。
建築本身就是一個意象，是公共與圍封空間的對立狀態，亦隱喻目前香港人的生存狀況。室內樹影的投射影像，與戶外興建展亭前已在的一棵真樹互相呼應，場內、外空間頓然連結起來。在白天，當觀眾從室內習慣於虛無情緒走回現實的一刻，真實與虛空、光與暗的反差很大。這不但善用場地限制，甚至將之轉化成為作品一部分。不過，在晚間則沒有此效果，戶外地上文字亦難以閱讀。
曾建華作品使用文字，是因為文字指向準確，減少觀眾閱讀的偏差，不似圖像開放的性質。由早些時期的中、英文粗口拼湊而成的牆紙圖案開始，他一直探索呈現文字的方式，錄像中閃現文字是往後的發展。
「虛無」一向是曾建華關注的創作主題。今次展覽，是他對於生命短暫、空虛、虛無等的呈現與延續探討。展題為《無》，「無」字本來顯淺易懂，但加上刪號後反而變得曖昧隱晦、模棱兩可，甚至過於造作。
展覽最大的問題，是作品內容與展覽介紹文字（策展人語）關係的落差。「口講尼采「永劫回歸」（展覽介紹文字），底牌其實是叔本華！」若按此脈絡理解，觀眾有理由期待海德格的哲學討論，可小冊子沒談及。
策展人語寫得有點「滿天神佛」，反而像咒語一樣將作品「封印」（限制觀眾觀看作品）。策展人著眼於堆砌哲學理論，試圖闡釋展覽，偏偏忽略作品藝術形式與表現的論述。例如，當解說「樹」的意義時，只強調「生命樹」和「菩提樹」等具宗教意味的神話內容，卻隻字不提影像這個媒介特質（materiality）。
更致命的是，根據作品的鋪排、取材，曾建華有心抽離文本的特定語境，營造肢離破碎、無所指向或依附的效果（fragmentation / decontextualisation）。策展人卻似乎捉錯用神，極力將作品安放於某個語境（contextualise），甚至「聖典化」（canonicalise）。結果，將可能的想像空間寫得密不透風；想提供閱讀曾建華方法，卻堵塞了所有其他閱讀方式。
藝術館及博物館背負教育觀眾的「使命」。為使公眾在展覽「有所得」，便為作品嵌入大量文本及哲學理論（弔詭的是理論討論在香港一直滯後），倒成過度詮釋。策展人在不同情境下面對不同考慮和壓力，要做到點到即止，必須具備勇氣，於策劃上發揮創意。
二、《表・述》羅琛堡個展
展覽日期：2016年9月2日至10月9日
地點：光影作坊
網站連結︰http://www.lumenvisum.org/site/exhibition/nodetails-notwhole/
藝術家透過攝影（掃描），將炭筆素描作品的筆觸放大、縮小及重新拼合，對於有全職工作、只有辦公室而沒有工作室的藝術家來說，做法算是聰明。
展覽在光影作坊舉行，剛好提供一個探討真實與影像之間的關係語境，令展覽名正言順。
不過，作品不怎麼樣，很典型「中大藝術系教育系統下」的做法；若落在城大創意媒體的學生或畢業生手上，做法肯定截然不同。
三、《同形異位》高倩彤與冼朗兒聯展
展覽日期：2016年9月29日至10月30日
地點：百呎公園
網站連結︰http://www.100ftpark.hk/exhibition_1/2016-2/simultaneity
在同期舉行的展覽中，這是其中一個最佳展覽。
作品本身已經很好，尤其是冼朗兒的繪畫。作品繪畫深水埗四周常見的冷氣機及散熱位置，鮮艷的色彩（如粉紅色及鮮藍）相當耀眼，又凸顯畫面與內容的衝突。
空間設置亦是展覽優點，包括：純白環境、工地膠布地墊及牆上留下上一次展覽的痕跡等
策展人語中英文版本均寫得恰到好處，不但開啟思考角度，又能對應展覽所在的深水埗社區。此外，展覽幾乎看不到策展人（陳子澂）「痕跡」，正是其中一種出色的策展方法。在展覽中，策展人無可避免留下指紋（fingerprint），但應自覺退到最後。
另外，同一條街的咩事藝術空間同期舉行的《Third-Eye Kaleidoscope》展覽，則比較遜色。天台上有一蒙古包造形的裝置，邀請觀眾在裡面做「瑜珈」，但其「使用指引」過於冗長，難以緊記又阻礙觀眾進入作品情境，無暇體驗過程。
四、《轔轔兩儀：林其蔚繪畫和聲音藝術》
展覽日期：2016年9月2日至10月8日
地點：漢雅軒
展覽大致有三類作品，實物拼貼、行為錄像和繪畫。
一系列實物拼貼十分出色。藝術家林其蔚搬家時，發現大批具紀念價值的舊物，遂轉化成作品。以一件由蟹殼拼砌成花卉造形的作品為例，可見游離的象徵意味與開放的圖像敘事。鮮花象徵生之燦爛豐腴，而蟹殼則暗示衰敗腐朽，拼湊起來，是紀念，亦是遺忘。在生與死之間擺盪，最終將消逝無聲。作品雖有「超現實主義的老土」，但細閱物件與物件之間的拉扯和張力，卻帶來「羅蘭巴特式閱讀的愉悅」，涵蓋多層意義和解讀空間（layers of meanings），卻沒有明確指向。
作品裝裱（framing）及燈光效果應記一功。裝裱框架非常莊重，而當中物件卻是生活中不凡不過的瑣碎雜物，甚至是一般人眼中的廢物。隆重其事與隨手拈來、聚焦與瑣碎，強烈豐富的對比引起觀眾無限聯想，緊扣「兩儀」（兩極）主題。
至於行為影像作品《Musarc版磁帶音樂》（長約20分鐘），人們按螺旋狀列隊，手持傳送紙帶，一邊傳遞紙帶一邊齊聲誦讀上面的字母音節，像是宗教儀式或祭典。展覽開幕時還現場表演一次，還回往復的人們和聲，教人印象深刻。
繪畫則較遜色，不詳述。
該展覽再次喚起當代藝術的矛盾與尷尬：當代藝術是否無一足觀？這種「老土」的創作方法倒教人看得賞心悅目。
