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日期：2016年12月24日上午11:00 – 13:30
地點：大埔
與會：郭瑛、丁穎茵、梁展峰、阿三、梁寶山、楊陽
紀錄：曾凱鈴
一、 傳統工藝與當代對話
1/「衣 + 包剪揼」展覽
展覽日期：2016年9月24日 – 2017年2月6日
地點：香港文化博物館一樓專題展覽館三及四
網站連結︰http://www.heritagemuseum.gov.hk/zh_TW/web/hm/exhibitions/data/exid237.html
2/ 「新經緯系列1.0︰亞莉雅德妮的線球」國際研討會
研討會日期︰2016年12月3日
地點︰亞洲協會香港中心
網站連結︰http://mill6.org.hk/fall-program-techstyle-series-1-ariadnes-thread
3/ 「竹都好有趣－－藝術館在這裡」教育推廣計劃暨展覽
展覽日期：2016年9月10日 – 10月11日
地點：香港中央圖書館展覽館
網站連結︰http://www.livingwithbamboo.org
– 結合傳統工藝與當代藝術/設計的概念方興未艾，如何成就傳統工藝與當代對話，確實是個值得、而且必須深入思考的課題。日本金沢21世紀美術館館長秋元雄史在早前一個座談表示，傳統工藝不應被奉為崇拜對象，否則會淪為一堆被塵封於特定時空的灰燼。它應當是一道火種，可以薪火相傳。讓傳統工藝成為火種的關鍵，在於與當代展開對話。
– 香港文化博物館今次終於採取這個向導，邀請時裝設計師/藝術家（包括張國威、張美儀、傅織女、李冠然及盧聲前），與傳統工匠（包括黎裔廣、陸樹才、陸強才、周燕雲、冒卓祺、曹志雄和陳楚翹）進行跨界創作。
– 無獨有偶，「新經緯系列1.0︰亞莉雅德妮的線球」（六廠基金會）舉行的一場國際研討會，亦有論及傳統工藝在當代的發展。可惜，研討會採取一派企業家/大老闆的視角，僅聚焦在所謂的「Can-do精神」，重彈港府最近提出的「再工業化」的舊調，並未擺脫「努力打拚，就能創建美好明天」的陳腔濫調。
– 驟眼所見，兩岸三地在展開傳統工藝與當代內在對話上，認知和執行力均頗為薄弱。在不少標榜兩者結合的項目中，當代設計師多滿足於學習傳統工藝的技巧，而未及進一步理解及細味當中的人文精神及情懷，例如某特殊技巧如何駕馭特定物料、該工藝如何與自然環境互動共融，並回應人們日常生活需要等。
– 說穿了，大家始終傾向工業家思維，著重量化數據，而忽略人文角度及原則性的思考（Principle Thinking）。
– 香港藝術教育責無旁貸。這一點，在早前香港藝術館舉辦的「竹都好有趣－－藝術館在這裡」教育推廣計劃暨展覽中可見一斑。有份參與的香港浸會大學視覺藝術院學生，有機會到台灣與竹匠交流，卻因為課程設計及安排欠周而事倍功半，僅涉獵到工藝的技術範疇，而未能進入當代領域。
– 當務之急是發展一套「傳統與當代對話」的論述機制，摒棄以功用價值為首要考慮和急於求新求變的思考模式。
二、《水墨藝博 2016》
展覽日期：2016年12月16 – 18日
地點：香港會議展覽中心
網站連結︰https://www.hkcec.com/zh/centrepoint/event-preview/水墨藝博2016
圖片來源︰https://www.hkcec.com/zh/centrepoint/event-preview/水墨藝博2016
– 在目前以博覽會為主導的藝術市場環境下，得以舉辦一個專為水墨而設的藝術博覽會，作為業界認可的定位，象徵「水墨」於本港藝術市場佔一席位，相信是不少專注於水墨範疇的藝術家及行政人員所樂見的。
– 第二屆舉辦的《水墨藝博》，場地安排明顯見進步，展攤設置較去年四正得體；作品水平亦見提升，過往參差情況有所改善。會上亦設一系列講座，請來藝術家和行政人員現場分享。
– 參展者除了有本地畫廊和藝術團體外，當中不少來自內地，而台灣的則顯著減少，來自亞洲其他地區的亦寥寥可數，印象中只有個別為韓國攤位，估計因去年銷情未如理想所致。（順帶一提，來自韓國的畫廊相當不錯，不單純因為作品好看，更因為它能反映韓國對水墨的認知和理解，不失為一個具參考價值的對照。）
– 作為一個博覽會，主辦單位未必出身自水墨範疇，加上在商言商，大會不願亦不能推掉投標者，因而有意識地以「挑戰/摒棄傳統」、「大膽嘗試」、「以非水墨媒介呈現水墨精神」等口號式包裝商業策略，包攬形形色色的「水墨」作品參展，務求「大包圍」吸納不同面向的買家及觀眾，提升市場價值和認受性，可謂無可厚非，互惠互利。
– 然而，從藝術策展的角度來說，有關水墨在今天的價值和重要性，博覽會並未作出充分而深入的思考和詮釋，有可能反映策展團隊力有不逮或缺乏視野。主辦單位對「水墨」採取兼容並蓄的態度（展場內不難發現立體作品，甚至是大型雕塑和多媒體創作），極盡將「水墨精神」空泛化之能事（難道水墨精神果真即「鬆郁矇」？）如此模棱兩可，輕則加深觀眾對於「水墨」（定義/分類）的疑惑，嚴重則可能顛覆（甚至謀殺）整個已發展數百年的水墨藝術文化和傳統。一個藝術展覽或博覽，若商業動機大於藝術考慮，必須冒「做爛個市」（釀成惡性循環）的風險。
– 在揀選嘉賓講者方面，亦未見大會的心思，不但未能將水墨有效地介紹給更廣大的觀眾群，更似乎揭露了無以為繼的隱憂。
– 藝術博覽的成敗關鍵，在於銷情和口碑。釐清如何及為何在當代發展水墨，及廣泛吸納亞太區（如台灣、日本和韓國等）具水準的參展者，是同類型博覽未來發展的大方向。
– 同場加映︰大會特別籌劃「水墨+」項目——洞天，由梁兆基策展，邀請本地及內地藝術家展出另類「水墨」作品，當中包括甘志強、林嵐、曾章成、莫一新等，涵蓋錄像、裝置、陶瓷及雕塑等範疇。梁兆基屬「多產」策展人，每年策展達十多場。在今天的消費年代，「產量」被視作評價策展人的指標。唯這個「指標」是否具有指標性，則相當可圈可點。
– 其中林嵐展出的作品為《邂逅！老房子》項目的其中一部分，詳見下文。
三、《邂逅！老房子》石家豪、林東鵬、黃麗貞、林嵐
展覽日期：2017年1月1日 – 6月30日
地點：孫中山紀念館、王屋村古屋、羅屋民俗館、三棟屋博物館
網站連結︰http://www.lcsd.gov.hk/CE/Museum/APO/zh_TW/web/apo/hi_houses.html
圖片來源︰http://www.lcsd.gov.hk/CE/Museum/APO/zh_TW/web/apo/hi_houses.html
– 隨著新市鎮發展，為保存舊文化，港府選擇性保留部分具歷史價值的建築。今次計劃橫跨多個政府部門及單位（包括康樂及文化事務署、藝術推廣辦事處、古物古蹟辦事處、香港歷史博物館及非物質文化遺產辦事處），請來本地藝術家（團隊）石家豪、林東鵬、黃麗貞及林嵐，透過實地考察和地方史料搜集等，分別在孫中山紀念館、王屋村古屋、羅屋民俗館及三棟屋博物館進行公共藝術創作。
– 作為政府主辦的首個以藝術介入古蹟保育/活化項目，拉近人與建築物的關係，理念可嘉。唯受行政主導所限，原為活化和保育古蹟文化而設的藝術項目，有機會反過來漂白箇中歷史色彩。
– 以羅屋部分為例，屋內陳設實為「後製道具」，加上當局（古物古蹟辦事處）後知後覺，錯過向身為建築師的羅氏後人搜集一手資料的時機，導致藝術家未能深入了解古蹟故事，只能抽離於歷史脈絡，天馬行空，意圖重新建構一個全新的語境和敘述方式，與原先的保育概念背道而馳。
– 其中最令人期待的，是林嵐為三棟屋度身訂造的一系列創作。為了體察三棟屋的歷史及原本屋主陳氏的生活軌跡，林嵐多次與陳氏會晤交流，不但發現現時三棟屋內的家具和陳設均為「後製」，更離譜是祠堂的一副對聯竟「人間蒸發」。有見及此，她特意請徐沛之按陳氏的口述歷史書寫對聯，掛在原來的地方，可算是承傳了一部分的歷史。
– 林嵐亦請來許敖山與李文生合作重新譜一曲南音。她先選出主題曲目，再由許及李填詞，最後重組成新作品。然而這種合作寫歌的模式具有一定難度，倘若藝術家對於音樂創作/歌曲製作的掌握欠妥，團隊間缺乏共識，勉強湊合不同的歌詞並「移植」到曲目中，文字內容未必連貫，效果可能不似預期。
– 此外，已有一部分作品率先於《水墨博覽》登場。作品是一組滲透藍色圓光的長方形裝置，配以心跳聲音效，營造追本溯源的意味。聲音藝術是林嵐近年醉心的創作媒介，而家族歷史和敘述則是她著意探索的主題，裝置空降博覽會場，效果強差人意，期望「回歸」三棟屋後，會有另一番景象。
四、《從觀看說起……》張才生個人作品展
展覽日期：2016年12月17 – 31日
地點：據點。句點
網站連結︰http://floatingprojectscollective.net/events/start-from-seeing-solo-exhibition-by-samson-cheung
圖片來源︰http://floatingprojectscollective.net/events/start-from-seeing-solo-exhibition-by-samson-cheung
– 其中一件作品參考投映機的三色原理，藝術家刻意抽掉紅色，然後投射出行車路；配合一系列裝置，包括兩個黑色燈籠、四把風扇和錫紙製旗幟，並開出一個小探孔，讓觀眾窺探其中。運用暗箱原理（camera obscura），觀眾最後會發現，在黑洞中看紅色，會呈現黑與白。
– 作品意念和裝置有趣，可是藝術家似乎有點畫蛇添足，在作品簡介及自述中解釋得太明明白白，反而使整個觀看經驗變得沉悶，毫無想像空間。
– 「毫無懸念」的文字表述，或可令作品更「完整」，卻扼殺了藝術作品本身的生命力和可塑性。藝術家若能退後一步，給予作品空間，更能提供讓藝術出現的條件。
– 另一方面，提示藝術家拿捏好「剎掣位」，而不僭越藝術家的私隱界線，是對策展人的挑戰。
五、《台北雙年展》
展覽日期：2016年9月10日- 2017年2月5日
地點：台北市立美術館
網站連結︰http://www.taipeibiennial.org
– 一字記之曰「悶」。以「藝術作為存檔的方式」（Art as Archive）的概念為主軸，串連一系列藝術展覽、表演、影片放映、論壇和座談等。當中固然找到可堪玩味的作品，然大部分均乏善足陳。看兩天展覽，感覺猶如乾啃兩餐蟹殼——枯燥、難以下嚥。（同期舉行的《2016國際錄像藝術展》還較具藝趣！）
– 當中值得關注的是許家維的多媒體裝置作品，名為《神靈的書寫》，以錄像呈現藝術家與神明青蛙神（鐵甲元帥）的對話過程。藝術家透過扶乩，一方面向青蛙神解釋整個藝術計劃的概念和執行方式，另一方面向祂詢問祂的駐紮地（武夷山廟宇）的細節，並按所獲得的線索，以數碼形式建構一個立體廟宇場景。
– 評價好壞參半︰有趣的地方是，作品展現出現代人如何理解「扶乩」這種古老的宗教儀式，以及人如何跟神明對話。然而，藝術家的存在感過於強烈，主導了整個對話，而且「討價還價」的意味極重，凌駕了交流和溝通，扼殺了藝術家、藝術與宗教之間原本可以出現的有趣互動。
– 可供類比的例子是，有藝術家為探討基因改造蠺蟲是不是生命，構思了一個供奉基因改造生物的創作。他先到日本神道廟與祭師交流，發現對方亦有相似的思考，能夠吸納新研發作品，結果一拍即合，於神宮設立了供奉基因改造生物的裝置作品。
– 針對類似的宗教式藝術創作，相對藝術家主導，先溝通、找出共同方向，後結合的創作形式更為可取。
– 引伸思考︰在藝術創作中，藝術家能有多大的主導權限？策展人應如何引導藝術家「收掣」（適可而止）？
圖片來源︰http://www.taipeibiennial.org