English日期：2018年10月28日 上午11時至下午1時30分
地點：油街實現
與會者：梁展峰、梁寶山、楊陽、郭瑛
視像與會：丁穎茵、阿三
《日常邊界》
展覽地點：大館當代美術館
展期：2018年9月15日至2019年1月4日
製作：天台墊
策展人：羅玉梅、嚴瑞芳、韋一空
藝術家：下道基行、鄧國騫
- 有成員懷疑去大館的一般觀眾明不明白。
- 有成員指出鄧國騫其實不太介意。計劃其實是有一個 whatsapp group，會約食飯和家訪。沒有大館展覽，都是已經在繼續進行。他的原意其實好簡單，可能就是去建立一個支持自己的系統，所以沒有框架，只是持續進行中的其中一點。可能只是出於孤獨，想了解其他人在家居會幹甚麼。他說有一次搭的士去大美督，他問司機大美督是不是有燒烤場，司機反問他是不是香港人，怎麼會不知道。那與其出外去藝術家留駐，為甚麼不多去香港不同的地方。
- 另有成員認為，問題回到去事件本位的創作，如何放在展覽廳。那策展人是否只是行政？藝術家大多數情況下總是想保持開放性，但策展人如何保證整個計劃或參觀經驗的質素？策展現在好像無法令計劃被置放在大館之內。
- 小朋友玩場自動在床上跳，一般香港觀眾就在周圍猶疑。騫或助手在場的話，會邀請大家上床。川龍也有床和B。是藝術家反思自己生命和生活的過程，然後跟大家分享。有些投映很美、有的錄像有細節…… 策展人在這種情況下，是否可以放手？
- 騫的作品到場總會有看頭，而下道基行作品亦很自足。而策展除了是操作上的工作、是撰寫一篇可以包括兩個作品在內的文章、還是有沒有辦法可以將兩個很不同的作品，用展示方式來讓觀眾明白作品的概念、為何要在大館發生？現在作品與作品之間、作品和展場之間關係比較單薄；作品的重點亦不明顯。但或許這只是個人的考慮，可能觀眾根本不需要這種策展介入。
- 作品當中有一個是由參與者擺放出來的花瓶，其中一個有裂痕，正是因為意外而產生。而這種意外性，正正不能用策展來框限。遇到這種情況，可能就要以事後的方式來收拾，例如加上說明。即是要預留空間去做。鄧國騫算是比較有能力自己去處理如何呈現事件式創作，但不少藝術家都沒有這個能力。
- 騫這兩三年一直進步，如處理人與人之間的關係，再用作品來呈現。下道基行作品也很有生活性。但這兩個藝術家放在一起卻無法顯示出他的優點。可能要在設計上包括一個途徑，可能只是加一些符號或文字，引領人有次序地進入作品。又或加多一位詮釋者。
- 這似乎顯示出藝術家的需要，與策展的需要之間在概念上的矛盾。現在很明顯是藝術家的思考方式，把展場一分為二，各佔一半。這不是負面批評，而只是中性的觀察。
- 但策展人作為中介人，正是要去為觀眾提供切入路徑，博物館研究中的觀眾研究甚至顯示出這是觀眾對策展人的要求。無論藝術家能力與意願有多好，策展人也不應迴避這個角色。
- 這似乎是更大的考慮，例如藝術家作為策展人(artist as curator)，處理方法根本是意識形態的分別。
- 有成員表示她在剛剛開始策展的時候，也會保留最大的空間給藝術家，自己的介入越少越好。但現在的作品越來越複雜和有野心。儘管你知道整個事件的來龍去脈，但也未必可以提出有效的詮釋。故此她認為策展人應要加強介入。
- 再把問題接闊一點，那麼大館的策展人又是甚麼角色？這位成員想指出administrative curator。例如曹斐個展，不能由Tobias直接策展，非要由Philip Tinari做不可。這不批評。而是現在做展覽越來越複雜，會有不同角色的策展好正常。
- 成員討論大館的使命和角色：好像是規定了館本身的策展人不能策展，或至少在起被兩年都不能這樣做。換句話說，大館的策展人其實是在做節目(programming)而不是策展？又或是整個大館到底想怎定位？大館最怕給人說是大商場，所以連商舖也策展，店舖選擇也跟大館一樣着重參與。觀眾進入大館是整體經驗，消費與觀展是為一體。但也有成員指出當代藝術部份的宗旨不包括強調參與。
- 回到鄧國騫作品，既然作品是持續的、關於我和你的關係──故展覽只是片段。那這個片段如何回應大館總體想強調的參與性？會不會與外面商舖的參與性不同，從而對參與性提出反省？
- 那麼大館的策展人即是宏大策展(meta curating)，透過不同節目的配置帶出大館的主題。 但成員質疑參與性只是歷史部份的宗旨，並不是當代藝術部份的宗旨。
- 有成員提出Terry Smith談的meta curating，並懷疑Tobias並不是在做meta curating。而大館本身的策展人，其實更似是行政式策展。
- 有成員指出大館古蹟團隊強調參與，並說大館不是博物館。
《張三李四收藏展》
展覽地點：大館當代美術館
展期：2018年9月15日至2019年1月4日
製作：短髮工作室
策展人：張煒森、胡敏儀
參展者：趙慧儀(作之)、鍾惠恩與吳家俊、劉智聰、李繼忠、梁美萍、馬琼珠、姚妙麗
- 有成員覺得即使展品豐富，但看完又「入唔到腦」「落唔到地」。策展人說讓藝術家自己來詮釋，那麼為何又要有策展人在旁？似乎好矛盾。大館希望提供中型藝術空間並提供策展機會，但這個白盒子對這些策展人來說好像不太好用。如果這兩個展覽是在本身有特性的空間展出，問題可能沒那麼明顯。「張三李四」每六個藝術家有六個手法，當中只有姚妙麗作品能對應博物館空間，亦是令觀眾看得最舒服的作品。但這個作品之後的下一件作品又接不上。每一個作品都有趣，但觀看時必須不斷調節。其中最難理解的是劍山那組作品。這些作品，可能放置在舊Para Site更適合，令作品與作品之間的路徑自然地分隔。如果循右邊開始觀看，排序會比左邊開始暢順。
- 展覽除了是經驗與技術問題外，這個展覽其實不是藏品展，不是探討收藏的展覽，而是由策展人去找藝術家去探討收藏，是以藏品作為元素的創作展，是關於物件而不是收藏。展覽現時設定的語境反而令人更加混淆。有成員甚至認為策展人自己捉錯用神，寫錯策展宣言。亦有可能是藝術家走錯方向，因為展覽之前的計劃還包括由學生去訪問老人家
- 之前在清山塾楊海美的展覽比較洽到好處，每個小角落都有不同的東西，作品有氣質。看得出胡是在儲經驗，從最小的空間到大的空間。大家都覺得策展其實很難，大家也需要學習。 故此呼籲讀者繼續留意胡敏遲一點將在版畫工作室推出的藏品展。
- 場刊的編輯手法，與《像是動物園》有可比性。兩者都在刊中加入委約文章，後者由查映嵐撰寫的〈白盒子、珍奇櫃與異人館〉，與整個計劃的概念與設置都很對題，令作品可以更加曖昧。「張三李四」場刊內的文章〈物/ 東西〉、〈收藏無物〉、〈珍奇櫃及布包〉等，可讀性甚高，卻與展覽不夠相應。而現場的作品說明以藝術家原意為依歸，不敢加入太多中介者的詮釋，故亦未能發揮中介作用。策展工作真的不容易，如何與作者溝通？怎樣介入作品？也許可向侯翰如學習，要把作者也當成藝術家一般來溝通，才能確保出來的文章真的可以發揮導讀功能。有成員指出自己做策展時會盡量突出文字，文字不是輔助而是being(存有)。
- 策展應該是知識生產，只是香港很難達到這個目標。導讀是很基本的做法；讓文字成為being也是另一種。由第三者甚至更多人去書寫，可以提供多一個角度，只要加以組織便可以。去年龔卓軍的《交陪》，在展前先出版好幾期雜誌，展覽再另有場刊和策展宣言。這個案例重要的是它不僅把展覽當成是event (事件)，而是一個延長了的討論，展期有半年時間，籌備與研究有一年，出版有四期，還有研討會。不同論述的插入方式亦處理得當。這是大家應去思考學習的地方。這樣看來，也許我們給文字的角色還是不夠，亦未有更好的方法讓文字與展品綜合得更好。
[討論成員自己策劃的展覽。從略。]
《像是動物園二》
地點：香港醫學博物館
演期：2018年10月25-2日，多個場次
製作： Orleanlaiproject
策劃及監製：黎蘊賢
創作：區華欣、許敖山、馮程程、伍韶勁、吳子昆、文美桃、洪忠傑、黃鴻飛、陳子雯
、鄺雅麗
*嗚謝Orleanlaiproject提供照片
- 不是所有與會者均有觀看「像是動物園」的1和2。但兩次似乎都是刻意讓人無法區分那是誰的作品，而是去提供一個immersive experience。這次在每個房間有不同的主題或玩法，例如那個像飯廳的房間就是社交場。Reception由真的護士主理，問每一位觀眾來這裡的目的和心理測驗結果。這些安排均能回應地方(醫學)特性。樓上實驗室擺放了像標本的作品，展示皮膚病的狀態，用玻璃罩罩着，故意令人混淆真假。中間還夾雜着昆蟲標本、實驗用具和真假難分的標題。另一個房間則有一位外籍西醫的藏品，都是關於畸型人體的舊檔案和剪報，還有他的墨寶書法，也是無法區分實物、偽造、藏品抑或藝術。另一個房間有三段訪問，都跟生死和疾病有關。地牢最好睇，原來的人體解剖室，由許傲山現場DJ，旁有種牛痘的模型陳列，歷史文物、實驗室和disco結合在一起，選擇的歌好像還是有特別意思的，而門口還有真的蘭桂坊門衛(bouncer)。
- 觀看後幾天仍未完全消化。因為非常豐富。每個房間都有不同的觀看方式。有成員認為可從Orlean早期參與廿豆‧盒子畫的脈絡去分析，亦有成員覺得與紐約的Sleep No More相似。Orlean在廿豆比較少落場演出，而是做燈光設計。燈光是看不見的，但在場劇和展場同樣重要，決定着觀眾如何和何時看見。亦有成員認為Sleep No more的例子正好說明在不同地方，都有人在思考同一種切入方式。
- 看藝術發展的歷史反而會發現，專業化之後，這種不分界別、共同創作的機會反而減少了。作為策展人，很少會想到要有表演在自己的展覽裡。若干年前博物館研究的討論曾提出展覽就是劇場。後來台灣學者更以此為題成書[劉婉珍：《博物館就是劇場》，台北：藝術家，2007年。]。此外還有immersive experience的討論。Sleep no more 以Macbeth為原型，犀利之處是用空間講故事，令人反省何謂策展。策展有時太習慣只是設定主題，然後一起討論，而忘了空間可以產生的作用。
- 另一個場合上有成員曾提出關注，就是這種手法會否減弱了視覺性。《像是動物園I》，令人有這種憂慮。可能與策展人背境有關吧！Orlean對視覺藝術作品的處理較為點到即止，反而錄像的安排則較令人看得舒服，但實驗室內的物件就有點尷尬。作品難以自己發光，而只是在服務大主題。I和II手法一樣。整個設置較有文學性。與Orlean合作的藝術家似乎並不抗拒讓作品融入大主題。例如「檔案室」──也不知道是否由一位藝術家負責──便以怪為題，展出了七十年代香港一次展示怪人展覽的報導，牆上又貼上例如《變形記》與錢鐘書等以此為題的文學作品。但展示方式只是用網上資料列印出來，即是只作為資料，而沒有當成是作品。然而如果策展人懂得把玩這些東西的物質形式，可能又會無法以劇場手法來處理整個空間。
- 計劃的另一個重點，是每一個觀眾對整個經驗的自行重組。因為即使是同場觀眾，所獲得的經歷都不一樣。這又可以扯回關於《日常邊界》的討論。要拆解不同領域，前設是邊界的存在，但鄧國騫的計劃卻欠缺了這個邊界。相比起「像是動物園」，在進場前已透過不同方式令人有所期待，使得觀眾在進場後可產生曖昧的感覺。
- 回應不同背境策展人的處理手法。「實驗室」有趣的地方可能正正就是它不讓你定下來靜觀個別的東西，醫學博物館原來的用途是做細菌檢驗，不是讓公眾流通。觀眾圍着實驗室中間的實驗桌團團轉，觀看作品與標本，一面擠一面看，就像去博覽會一樣。而在露台的紙造動物，龐大的比例，好像是在觀看在玻璃內的人們。個別物件在這種情況下，可能並不是重點。
- 「動物園I」思考的是觀賞經驗，及如何把劇場搬進展覽，並加插了導賞員，不同導賞員會為觀眾製造出不同內容，訴說不同的故事。「動物園II」似乎把這個角色轉而分配了給觀眾。在「社交場」房間內，餐單其實就是給觀眾的指示，觀眾要自行按照指示表演，令觀眾變成演員。但有的場次觀眾保持被動，因而便沒有產生預期效果。有的場次觀眾則比較投入。這是好好玩的元素，但對觀眾的要求較高。要好好的事前準備，才能產生預期效果。Abramovic的表演、曼谷雙年展其中一個作品，都有透過各種設置令觀眾加以配合。但Orlean則似乎想把指示減到最低，包括按排在離場時才派場刊。不過亦有不是文化藝術活動常客的觀眾覺得表演沉悶。可能他/她們真的是把活動當成是萬勝節鬼屋。
- 演員與角色很好玩。經過上次利用演員去帶出故事，這次改為不再用演員──門衛是從蘭桂坊找回來，本身就是門衛；護士本身也是護士。這個改變可能是因為香港演員太習慣演戲，反而不習慣這種沒有演出內容的表演，所以索性直接找真的。[成員分享從前曾以電影主題作為在地(古蹟)節目，包括視藝和音樂的經驗。大家認為這種方式很適合油街，繼續討論各種可能性。]
